La exposición Aproximaciones creativas a la Colección BEEP concluye en Reus con más de 4.500 visitantes, y la obra de Paul Friedlander se exhibirá en el reconocido festival Ars Electronica

El pasado 29 de marzo se clausuraba en la ciudad de Reus la que ha sido la primera presentación pública de la Colección BEEP casi en su totalidad. Comisariada por Roberta Bosco y Stefano Caldana, más de 4.500 visitantes (un 5% de la población de Reus) ha podido disfrutar y contemplar las obras que componen una de las colecciones privadas de arte electrónico y digital más importante de Europa. Creada por la artista Marie-France Veyrat y Andreu Rodríguez, presidente del grupo empresarial Ticnova, nacido precisamente en la localidad de Reus, la exposición abordaba las principales tendencias del arte electrónico y digital de las últimas décadas a nivel internacional. Aproximaciones creativas a la Colección BEEP de Arte Electrónico ha mostrado las investigaciones y reflexiones artísticas a raíz de los inconmensurables cambios en una sociedad obligada a transformar sus costumbres por la introducción rápida y masiva de las nuevas tecnologías en todos los ámbitos de la vida cotidiana. En un mundo repleto de terminales y pantallas, el arte electrónico ha subvertido la relación estática entre obra y espectador, invitando el público a acercarse a las piezas e interactuar con ellas.

Una muestra que finaliza y una nueva exhibición de la Colección que, en este caso, tendrá lugar los próximos 6, 7, 8, 9 y 10 de septiembre en el que es el encuentro anual más importante con los nuevos medios: el festival Ars Electronica (Linz). Así, la Colección ha sido invitada a participar para mostrar una de sus últimas producciones así como varias obras seleccionadas dentro de su conjunto.

Por un lado, podrá verse el último trabajo del artista británico Paul Friedlander producido en los laboratorios de Eurecat (Centro Tecnológico de Cataluña dedicado primordialmente a las actividades de investigación, desarrollo e innovación en los ámbitos de la comunicación, media y nuevas tecnologías) como ganador de la convocatoria del Programa ATA para la creación y formación artística con tecnologías avanzadas. Este programa, convocado por la Colección y la New Art Foundation, tiene como objetivo conectar a artistas, científicos y tecnólogos para que converjan el método científico con el método artístico generando nuevas líneas de conocimiento que culminen con el desarrollo de una obra de arte. Friedlander ha sido el artista escogido en la primera edición de esta beca por su larga labor de más de dos décadas investigando toda clase de tecnologías y procedimientos con el fin de hacer de la luz una materia maleable y flexible que pueda adquirir cualquier forma y volumen. La pieza que se expondrá en primicia en Linz sigue la línea de trabajo ya iniciada en obras como Spining Cosmos que se mostró en Art Futura Roma 2017 y que puede verse aquí:

Licenciado en física y matemáticas por la Universidad de Sussex, su tutor personal, Anthony Leggett, resultó galardonado con el Premio Nobel por su trabajo sobre la superfluidez. Friedlander ha expuesto en su extensa trayectoria artística en 3 continentes y 12 países. Destaca en 2008 su participación en la exposición Máquinas y almas, arte digital y nuevos medios en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, dedicada a explorar la convergencia entre ciencia, arte, tecnología y sociedad en el inicio del siglo XXI. En 2011 expuso Wave function en Art Futura XXI (Alhóndiga Bilbao, hoy Azkuna Zentroa).

Además, en Ars Electronica, podrán verse las siguientes obras:

Gust (2017) de Daniel Canogar. Animación generativa que reacciona en tiempo real a la dirección e intensidad del viento de la ciudad de Madrid.

Las obras que componen la serie Echo, a la que pertenece esta pieza, están hechas con LEDs flexibles, una tecnología que permite al artista crear pantallas curvadas. Tras éstas formas sinuosas aparecen las tripas del aparato, los cables y componentes electrónicos que normalmente quedan ocultos. Para el artista, éstas pantallas han dejado de ser una ventana que enmarca la realidad, para convertirse en una presencia escultórica que ilumina y dialoga con su entorno.

El artista ha observado un cambio sustancial en nuestra forma de relacionarnos con las pantallas. Desde dispositivos para llevar en la muñeca que monitorean nuestros biorritmos a enormes vallas publicitarias LED que envuelven edificios, estamos rodeados de sus parpadeantes y luminosas superficies. Las pantallas están adquiriendo una nueva materialidad, una calidad de membrana que se extiende sobre múltiples superficies, objetos y arquitecturas. La serie Echo responde a esta nueva concepción de la pantalla-piel.

Pantallas que parecen derretirse, agotadas por nuestras ansias de representar el mundo. En su estado de descomposición, encuentran un nuevo rol como criaturas que ya no representan, sino sienten su ecosistema a través de Internet. Enchufadas a la red, perciben fenómenos planetarios que están fuera del alcance de nuestras capacidades sensoriales, y que sin embargo son vitales para nuestra supervivencia como especie.

Try Not To Think So Much (2018) de Eugenio Ampudia. Obra ganadora de la XIII Edición del Premio ARCOmadrid/BEEP de Arte Electrónico (2018).

Con esta pieza Ampudia continúa la línea de trabajos anteriores al enfatizar el carácter del arte como medio de comunicación efectivo, pero en esta ocasión el artista juega con la paradoja de romper ese flujo a través del ruido comunicacional. Al aplicar el término “ruido” a la comunicación, no sólo se habla del molesto sonido sino de cualquier interferencia en ese proceso. Con esta obra se alude así al tipo de ruido comunicacional con el que habitamos y que nos envuelve, y que se transforma en un silencioso método de influencia en nuestro entorno cotidiano.

El artista apunta a esa comunicación que en el mundo del arte tiende a ser endogámica y autorreferencial mientras promulga discursos que supuestamente pretenden acercar la cultura al espectador. El hecho de que el ruido de la pieza esté realizado a partir de la apropiación y superposición de teorías relacionadas con el mundo del arte, difícilmente tangibles, hace un guiño al aparato teórico junto con los códigos que sustentan el sistema artístico. La frase es un amplificador compuesto, y cada letra que la forma tiene una misión perturbadora, que le sirve a Ampudia para configurar un relato entrecortado que también habla de la subjetividad del discurso y abre puertas hacia pensamientos como el del discurso del poder o el poder del discurso de Foucalt.

The perpetual Storytelling Apparatus (2008) de Julius Von Bismarck y Benjamin Maus. Obra ganadora de la V Edición del Premio ARCOmadrid/BEEP de Arte Electrónico (2010).

Una obra capaz de crear infinitas obras. Así se podría definir The Perpetual Storytelling Apparatus que cuenta una historia en imágenes, a través de los dibujos extraídos del Archivo de Patentes de Estados Unidos.

El artefacto busca a través de Internet los dibujos, cuyas descripciones contienen unas de las palabras clave sacadas de un cuento proporcionado por los artistas, y los imprime en tiempo real bajo la mirada del público. La patente que mejor se relaciona con el texto analizado se utiliza como semilla y, a partir de ella, se va remontando a patentes cronológicamente anteriores. De ese modo, los dibujos de más de siete millones de patentes, muchos verdaderamente fascinantes, son reproducidos de forma continuada, como si de un cadáver exquisito del tercer milenio se tratara, en una larguísima hoja. Ésta puede ser cortada a la medida deseada, convirtiendo la máquina en una creadora perpetua de obras únicas.

The Perpetual Storytelling Apparatus constituye una importante aportación al tema de las conexiones semánticas y de la traducción de la palabra a la imagen.

Más información:

Marta Lorenzo
marta@laagencia.org

 

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